Bobby McFerrin en Montreal 2005
Llegados hasta aquí se necesita un sanador como Bobby McFerrin.
Bobby McFerrin en Montreal 2005
RauLuz, Vallecas. Madrid 2021
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29 ene 2021
20 ene 2021
Tordesillas, nombre que ni recuerdo.
Príncipe. Toro de la Vega de Tordesillas
Y a todos los toros humillados.
Doña Juana I de Castilla acompañada de más de 300 toros cruelmente arrebatados a la vida en la rivera del río Duero miran con piedad infinita a un pueblo que sigue pareciendo cruel, primitivo y terco. Hasta la llamada patrona del lugar la señora de la Peña tiene cara de pasmo permanente de aguantarles. Los pueblos tercos tienen poca enmienda.
Pilar López de Ayala. Juana I de Castilla.
Vicente Aranda 2001
El Último Toro - Río Muten y Niño de Elche
RauLuz, Vallecas. Madrid 2021
20 nov 2020
Influencia de la Música de la India en la Música Occidental del siglo XXI. Con Luis Delgado.
Luis Delgado.
Foto RauLuz 08.10.2016
Casa de la India de Valladolid
una entrevista con Guillermo Rodríguez Martín, director gerente.
La Casa de la India en España se constituyó en Valladolid el 17 de marzo de 2003 como fundación de carácter cultural, y con tres patronos fundadores: la República de la India, a través de la Embajada de la India en Madrid; el Ayuntamiento de Valladolid y la Universidad de Valladolid.
Entre sus muchas actividades encontramos las conferencias como la que hoy nos ocupa.
El pasado miércoles día 18 de noviembre Luis Delgado ofreció una charla sobre La Influencia de la música de la India en la Música Occidental del siglo XXI,
como acto de clausura de la exposición Tesoros musicales de la India: muestra de instrumentos de la colección de Radhika Mohan Maitra.
Podemos recuperar esta interesante conferencia a través de la página de YouTube de la Casa de la India en Valladolid
RauLuz, Vallecas. Madrid 2020
13 nov 2020
Josele Santiago. Conde Duque en directo. Octubre 2018
Josele Santiago. Cuartel del Conde Duque
Foto RauLuz 09.10.2019
Decir Josele Santiago es hablar de un trozo de música y creatividad arrancada del barrio madrileño de Malasaña para acabar en el universo sonoro de cualquier lugar, con y sin Enemigos ¡Vamos, un imprescindible! Bien es cierto que arriesgo que me vuelvan a llamar imbécil, como cuando dije ha ya unos cuantos años que Kiko Veneno lo es. Lo dije en este mismo rincón lunar y ahora que todo el critiquerío oficioso considera al de Figueres creador destacado, no hay problemas. Bien es cierto que nadie me pidió disculpas en todo este tiempo. Ni falta que hace. Por lo tanto considerar Imprescindible a Josele Santiago es lo que debe de ser y así queda reseñado. Los que tenemos el privilegio de conocer a Josele desde los orígenes Enemigos solo hemos tenido que seguirle o esperarle cuando no estaba ... ... Si queremos datos sobre esas etapas, en 8 capítulos de excelente factura César Luquero escribe sobre Josele en el Libro disco dvd: Josele Santiago Conde Duque en directo, grabado en Madrid los días 9 y 10 de octubre de 2018. Nuestro Querido Redactor Especialista, Toni Pedrol escribió con precisión de cirujano un artículo sobre este libro-disco-dvd y su contenido.
Avatares, confinamientos, paralización mental... Retraso...
Toni Pedrol, finísimo guitarrista, que lo es, del grupo Lab Sons, el reencuentro de la segunda formación histórica con Anna, Pep y Toni da como resultado sosiego y altas dosis de calidad y belleza; además Toni es un destacado escritor musical y tenemos el privilegio de contar con sus escritos en este rincón de la Luna.
Lean a Toni Les encantará, como siempre, nada decimos a los habituales que ya saben.
En octubre de 2018, RauLuz asistieron a uno de los dos conciertos que Josele Santiago dio en el antiguo Cuartel del Conde Duque de Madrid, reconvertido en centro cultural. Aquellas sesiones se grabaron y han acabado siendo el motivo de este escrito: el CD-libro-DVD titulado: Josele Santiago, Conde Duque. En Directo. grabado en Madrid los días 9 y 10 de octubre de 2018.
En Barcelona El pasado 5 de noviembre tuve la suerte de presenciar una actuación promocional del susodicho artefacto con posterior firma de ejemplares.
Josele es un cantautor. Un cantautor con muchas pieles, como dice su canción, pero pieles saludables. Todas ellas se ajustan a su personalidad musical, todas ellas le sientan como un guante, porque todas rezuman honestidad. Canciones escritas de manera epidérmica sin otra pretensión que la de contar aquello que le pasa por la cabeza, a su manera. Secundado por una banda de lujo, el resultado queda definido en una producción exquisita; si hiciéramos un símil futbolístico podríamos hablar de algo así como: tres centrales, bajo, batería y teclados, que sedimentan la columna vertebral y dos carrileros, las guitarras, que lejos de ser simétricas, se complementan a la perfección y la voz de Josele planeando unos metros por encima de todo el entramado. La degustación resulta muy agradable con auriculares por la excelente definición de los instrumentos; se escucha todo en todo momento sin necesidad de hacer el esfuerzo de buscarlo. He leído en algún sitio que, aunque la mayoría de músicos ya habían trabajado con Josele, la banda se formó un poco a matacaballo para la ocasión. Da igual. Los puntos de engrase del mecanismo sónico están perfectamente lubricados y el resultado de este trabajo actúa como elemento equilibrador de sus cinco discos de estudio.
Nico Nieto, Robbie Lozano, Santi Comet,
Héctor Rojo, Josele Santiago.
Foto RauLuz 09.10.2019
Volviendo a las diversas pieles del cantautor, nos encontramos en Prestao y Baila el viento temas pop con guitarras cristalinas o con el swing recio de El baile de los peces o con el rock vacileta de Tragón y Cachorrilla. El cantautor pinta su piel más reposada en Fractales, Un guardia civil o Farol y compagina sin problemas guitarra eléctrica y acústica según convenga. Pero claro, como saben, nuestro hombre es un rockero medular y en Saeta o el final de Ole Papa pisa sin complejos su pedal Over Drive para dejar constancia de saludables guitarrazos. Porque Josele sigue siendo un magnífico guitarrista, un tipo que, por muy autodidacta que él diga que es, no se ha conformado solamente con los patrones del rock’n’roll, entiéndanme: Riff cortante, contundencia rítmica y solo aguerrido. No.
La evolución está más que clara, desde las ideas conceptuales de las canciones, hasta los adornos sutiles. El cantautor no utiliza la guitarra de manera testimonial, ni mucho menos. Pero creo que lo que más llama la atención es como maneja la voz; seguro, modulando y sin perder la personalidad propia.
Cuando le dije hace poco: Después de más de treinta años escuchándote, creo que cantas mejor que nunca.
Josele me respondió con una sonrisa de oreja a oreja: ¿A que me lo he currao?
Amable Rodríguez, Robbie Lozano,
Josele Santiago
Foto RauLuz 09.10.2019
Josele Santiago, Robbie Lozano, Johnny Burning
Foto RauLuz 09.10.2019
En los dos conciertos grabados en Madrid se contó con grandes colaboraciones: Leonor Watling, Johnny Burning, Francisco Contreras Molina Niño de Elche y Amable Rodríguez, están muy bien elegidas y aportan el toque personal en cada caso, pero permítanme destacar a Jairo Zabala con esa voz de barro en Que hable el sol.
Nico Nieto, Josele Santiago, Robbie Lozano, Jairo Zavala De Pedro
Foto RauLuz 09.10.2019
No he mencionado a David Krahe en el apartado de colaboradores porque pienso que lo de David es más que eso. El de Los Coronas se marca cuatro piezas en acústico con Josele, que sólo aparecen en el DVD, donde se notan las horas de carretera compartidas y el trabajo exquisito a la hora de buscar el arreglo adecuado para cada tema. Después de verlos a los dos, acústicas en ristre y voz, creo que aquí hay material para un disco en ese formato, estoy convencido de ello. También se agradece, creo que por lo emotivo que resulta, la pista donde Josele interpreta Desde el jergón; ya saben cómo va esto, Los Enemigos son por derecho propio parte de la banda sonora de muchos que en los 80 fuimos chavales de barrio en la periferia de alguna ciudad.
David Krahe, Josele Santiago
Foto RauLuz 09.10.2019
Pero aún falta un extra; Josele con una acústica interpretando Un guardia civil, aunque la versión de El Niño de Elche está muy lograda, creo que esta canción ocupa ya un lugar muy destacado en el repertorio y merece por derecho propio que quede constancia de ella en la voz de su autor.
Toni Pedrol y Josele Santiago
Barcelona 05.11.2019
Toni Pedrol
Barcelona, noviembre 2019
20 oct 2019
Patricia Escudero y Luis Delgado. Satie siempre futuro.
El Cometa de Madrid 1987
El Cometa de Madrid tuvo su distribución a través de Grabaciones Accidentales otra discográfica indispensable hasta su absorción por el sello Dro en el año 1984.
El Cometa de Madrid 1987
El encuentro con Luis Delgado es fundamental para llevar a cabo el trabajo que terminó siendo este Satie Sonneries.
Patricia Escudero
Satie Sonneries. Timbres y tratamientos.
El Cometa de Madrid/Grabaciones ACCIDENTALES 1987
La cita de hoy en Madrid tiene lugar en el afable Espacio Ronda.
Patricia Escudero y Luis Delgado
19:30 horas
Espacio Ronda
Ronda de Segovia 50
28005 Madrid
913661041 / 639819503
Más de tres décadas después de haber editado un vinilo con el título de Satie Sonneries, dedicado a la obra de Erik Satie, y con motivo de su reedición actual por el sello Equilibrio, sus intérpretes revisan el repertorio, utilizando las tecnologías de hoy para ofrecer una visión nueva de aquella producción, editada por el Cometa de Madrid en 1987. En directo, y junto al sonido del piano clásico, oiremos los sintetizadores utilizados para la producción original de los años 80, junto a los timbres digitales que nos brinda la tecnología actual y que probablemente habrían fascinado al propio autor. Música y imagen para desconectar de la cotidianidad y trasladarse al universo de alegre quietud que transmite la obra de Satie.
Patricia Escudero y Luis Delgado
Luis Delgado es el hombre-carretera podemos encontrarle en cualquier recodo de las escenas y siempre, siempre debemos procurar asistir a las propuestas.
Patricia Escudero y Luis Delgado
RauLuz, Vallecas. Madrid 2019
15 sept 2019
Facetas de Bob Dylan por Toni Pedrol
... Lo de la cena de Jesucristo Mancisidor había sido, sin más, descacharrante, sólo alguien perfectamente insano podía no haberse reído cuando Gabriel Molinero habló de aquella gran cagada, entre otras muchas, de Bob Dylan, autor de bonitas canciones maravillosamente mal cantadas. De haber sido ya diagnosticado entonces, Gerardo Ruiloba hubiera reído igual...
Puente largo en Praga.
JL Moreno Ruiz
Huerga y Fierro Editores 2017
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Bob Dylan 2015
(Sin autoría)
Quiero escribir sobre Bob Dylan, pero he de reconocer que la magnitud del artista me impone un respeto especial. Personaje inmenso, esquivo, confuso y contradictorio, a la vez que caleidoscópico en 360 grados. ¿Detrás de qué cristal hay que situarse para observarlo? ¿Cuál es el ángulo para encarar la observación de tanto talento? La conversión a la fe religiosa, sus días encerrado en The Big Pink junto a sus secuaces de The Band, las lágrimas descarnadas de Blood On The Tracks, su aportación clave con la trilogía mercurial para que el rock americano iniciase la marcha bípeda, la invención de la NET, never ending tour, que parece la excusa perfecta para justificar su gran expresión No direction home o quizás lo que quiere de verdad es morir en un escenario, el melómano empedernido que busca y rebusca en lo más polvoriento del cancionero tradicional americano, el laureado premio Nobel entre otros destacados galardones...
Xpress Newspapers
Getty 1965
Pero, tal vez sus días en el Greenwich Village de Nueva York a principios de los 60 sea lo que más me atrae de Dylan. Aquellos años en los que la contracultura y la bohemia se identificaba con sus textos hasta el punto de encumbrarlo como líder de la contestación juvenil al sistema. Hacía poco que había llegado desde su Minneapolis natal y parecía que aquel ambiente le sentaba como anillo al dedo. Tenía publicado su primer disco en una línea claramente folk con influencias directas de los beats, Woody Guthrie, Leadbelly y los bluesmen del sur, donde prácticamente todos los temas eran interpretaciones de clásicos del estilo. Bob se ganó una importante reputación actuando en los bares del Greenwich Village, ante un público joven y culto que lo reconocía como un alumno bien aventajado de aquella oleada de neo-folk.
The Freeweelin´ Bob Dylan
Mercury 1963
Pero el joven Bob empezó a escribir de manera compulsiva y dejó en su segundo disco Freeweelin’, algunos clásicos grabados para la historia, temas propios que marcaban los patrones de su identidad. Realmente hizo que aquellos que lo señalaban como un líder generacional se reafirmasen en su convicción, pues canciones como Blowin' In The Wind, A Hard Rain Is Gonna Fall o Masters of War muestran el pensamiento que muchos de esos miles de jóvenes tenían en la cabeza, Dylan les enviaba un mensaje conducido a través de una innegable calidad literaria y una básica estructura musical de voz, guitarra y armónica. Pero aquel chaval de poco más de veinte años con estilo vocal áspero, no solo se dedicó en Freewheelin’ a escribir sobre los derechos civiles y los bajos instintos de los poderosos. Parece como si el joven Bob, ya en aquel momento pretendiera ser el que siempre ha sido, un tipo que expresa a través de sus canciones aquello que le preocupa, ya sea de interés colectivo, para un estrato generacional o directamente arrancado desde su más estricta intimidad, un tipo que va a lo suyo, sin más pretensión que la de escribir sobre lo que necesita expresar. Tal vez aquellos que lo elevaron poco más que a guía espiritual y que luego lo trataron de traidor y vendido, no quisieron ver que Freewheelin’ no sólo era un cancionero de himnos contestatarios y aquí llegamos a lo que en mi opinión tiene gran interés; creo que Dylan ya estaba dando pistas de lo que acabaría haciendo toda su vida: escribir sobre lo que le place. En ese disco, ya histórico, hay una delicia llamada: Don't Think Twice It's All Right, convertida por derecho propio en un clásico. Una bella historia de desamor, de pérdida de lo que fue o de reflejo de lo que supone el paso del tiempo. El texto cuenta en primera persona un mensaje dirigido a la pareja del narrador; ya en ese momento aparecen frases como: Eres la razón por la cual sigo mi viaje, o De nada sirve que enciendas tu luz, estoy en el lado oscuro del camino. ¿El vagabundo eterno, No Direction Home, la NET? Quién sabe tratándose de Bob Dylan. El caso es que Don't Think Twice es en lo musical una muy buena composición, armónicamente inusual para un chico tan joven y con una melodía construida en buena parte con la fórmula pregunta-respuesta. Como todo clásico que se precie, ha sido mil veces versionada, pero me gustaría destacar en este Foro Lunar las siguientes visiones del tema.
Creo que se hace imprescindible empezar con la versión original, la que se grabó en 1962 para el disco The Freewheelin’ Bob Dylan, nombre completo del álbum, y que salió a la venta en 1963. El cantautor solo, con su guitarra y pequeñas pinceladas de armónica. Queda claro que su contribución como armonicista no seria para nada destacable, parece más una aportación para añadir un poco de color musical que otra cosa. Cantada con convicción y honestidad, la voz de Dylan, aunque joven, resulta más que reconocible en su estilo rugoso y con esa vocalización en la que parece que algunas palabras, más que cantarlas, las empuja desde dentro. Muy destacable el trabajo de guitarra en técnica de fingerpicking, bien trabajado y efectivo; merece la pena volver a recordar que en el momento de la grabación, Bob Dylan no era más que un muchacho de 21 años. No es difícil encontrar vídeos en directo de la interpretación del tema en su época, tal y como lo grabó en el estudio: Guitarra, armónica y voz, pero creo interesante escuchar lo que el público del momento percibió desde el vinilo donde aparecía Don’t Think Twice.
Camille O'Sullivan. Artista polifacética también se atreve con el clásico de Dylan. El arpegio de guitarra inicial, tocado de manera limpia y académica, sobre el que la voz de Camile se desliza casi en susurros, poco a poco acabará convirtiéndose en la base de lo que vendrá después, la intensidad de una banda que suena a algo así como el dixieland callejero, engrasada y vigorosa, que aporta a la cantante el groove necesario para mostrarnos su faceta más intensa, cantando los versos que escribió el viejo Bob con más despecho que resignación, como aquella mujer que se larga diciendo a gritos: que me da igual, ahí te quedas. El registro de voz interpretado con la cadencia y la mala leche necesarias para recordarnos al formato cabaret.
James Taylor. Sutileza y elegancia, marca de la casa. La introducción es ya en sí misma una declaración de principios. James Taylor reconoce a Dylan como una de sus mayores influencias. Cantada con delicadeza, en este caso parece que el intérprete narra que se marcha a su pesar, porque no le queda más remedio que hacerlo. Con una ejecución instrumental para paladares selectos. Taylor siempre ha sido un magnífico guitarrista acústico, que va bastante más allá de los patrones habituales del cantautor folk de manual. Secundado de manera exquisita por armónica, piano, contrabajo y mandolina tocada con slide. Deliciosa.
Eric Clapton ha dejado muestras evidentes de muy buenas interpretaciones de Don’t Think Twice, por ejemplo, en el triple disco del 30 aniversario de la carrera de Dylan, donde grandes figuras del rock contribuyen ejecutando sus temas. Allí mismo encontramos a Clapton llevándose el clásico a su terreno, esa zona que va del blues al rock académico, que domina y donde se siente cómodo. Secundado por una banda de lujo, las modulaciones vocales empujan la canción hacia un territorio más negro. Los pequeños cambios en la armonía y el ritmo ternario, aparte de los solos de la stratocaster claptoniana, le dan un carácter personal y elegante a la pieza. Pero propongo otra posibilidad. En el festival Crossroads 1999, Clapton, desde el escenario, se acerca al micro y presenta al invitado que le ayudará esa noche con Don’t Think Twice. El tipo en cuestión resulta ser el mismo Dylan, que aparece en escena con un semblante de pocos amigos. Saluda con un gesto y arranca el tema. La cosa va por un terreno cercano al country-rock que los músicos parecen estar disfrutando. Bob canta y Eric se atrasa un poco, ambos, guitarra en ristre. Pero lo mejor llega a la hora del solo; Clapton sabe que es su momento y se esmera en ello, pero a los pocos compases se da cuenta que a Dylan se la ha ocurrido que él también va a hacer su solo, justo en ese preciso momento y además de una manera bastante tosca, con lo cual el brillante solo claptoniano queda tapado por, digamos… unas notas dylanianas. Al terminar Bob mira a su compañero y le hace un gesto en el que parece decir: ¿Lo has visto? Pues eso.
Y para terminar este artículo lunar, me he guardado a conciencia esta revisión del tema que nos deja Susan Tedeschi. Reconozco mi debilidad por esta magnífica cantante y guitarrista que se ha hecho suyo, como nadie, el clásico de Dylan. De todas las que le he escuchado, ésta, en formato acústico me parece la más brillante. Pertenece a una sesión con una versión resumida de la Tedeschi Trucks Band, pero en este tema Derek Trucks no participa. Tedeschi toca la guitarra acústica y canta Don’t Think Twice como un ángel, atacando las frases con esas inflexiones vocales de soul blanco y con la convicción de quien conoce bien el terreno que pisa y disfruta cantándolo. La contribución de contrabajo, percusión minimalista, solo de saxo y coros, conforman una exquisita cremosidad musical. Irresistible.
Toni Pedrol. La Teoría del Taburete.
Barcelona 2019
27 mar 2019
Rafa Notario en el recuerdo de Dj Gomez Gufi
Yo nada tengo que decir de Rafa Notario al que solo traté desde sus diferentes puestos en la industria lúdico-musical al que también escuchaba si nos encontrábamos en el mismo grupo de conversación.
Siempre es muy triste perder a alguien tan pronto.
Bellísimo recuerdo de Nuestro Dj Gomez Gufi.
Emocionado, emocionante y sincero.
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Esta mañana he cogido un tren a El Escorial para despedirme de Rafa Notario. Enchufo el Google, me pillo una cerveza y me voy andando al tanatorio.... equivocado.
Debí hacer caso a Fernando Íñiguez que había avisado que era El Escorial a secas, no San Lorenzo de El Escorial...
-¡y yo qué sé! pensaba que a Fernando le había dado un ataque de laicismo.
El caso es que me he tirado 3,4 kilometros pensado en Rafa Notario, un tío que a pesar de trabajar en la industria del disco en las vacas gordas, nunca me vendió viruta.
Hablábamos como fans, bailamos un pogo mental lleno de flamenco y rumba, de raperos y traperos.
Nadie ha apreciado el lado salvaje del Agujetas como Rafa. Me acuerdo el día que fuimos a ver a Public Enemy y descubrimos que Bambino esta actuando en la sala de al lado. Rafa se quedó a ver a Bambino.
Aprendimos juntos a ver a los héroes a nuestro alrededor, sin dejar de lado las virtudes de los foráneos, guiris tatuados de insensatez como el jodido Johnny Rotten y el jodido Johnny Thunders.
Me acuerdo de Rafa en Los lunes flamencos del Revolver mientras comentamos todas y cada una de las veces que fuimos a ver a Pata Negra.
Lo de Camarón ni siquiera teníamos que comentarlo. En la última época intercambiamos referencias del trap zoquete con el trap gitano y recuerdo lo que le dijo al Moncho Chavea y mientras tanto intercambiamos mensajes sobre lo de Rosalia y el efecto en los flamencos.
Hizo, hace nada, un recopilatorio magnífico para Youkali con un texto que vendía la verdad del momento. Luego se murió Jerry González y cuando supo que estaba herido...
Cuando supe que tenía cáncer de pulmón, me quedé bloqueado, miré su fb y había compartido mi último artículo.
He pillado un taxi y me ha llevado al tanatorio correcto..., creo que eso debería acabar en comedia y risas... EL TANATORIO CORRECTO, al tanatorio por error, etc...
... He llorado con Lydia Iovane y con la familia y luego nos han metido en un cuarto desde el que hemos visto cómo la caja entraba en la hoguera mientras sonaba el Ave Maria de Schubert, supongo que es lo adecuado pero ni lo suficientemente punki, ni demasiado rumbero.
¿somos dj´s o qué somos?
Pues eso, que yo iba tarareando Ratitas divinas.
Dj Gomez Gufi. Face Book 26 de marzo de 2019
1 mar 2019
Adestono a escena. 2 de marzo en Madrid.
En octubre de 2018 hablábamos aquí por primera vez del madrileño grupo Adestono.
Los de Madrid son noticia de nuevo ya que vuelven a la escena con formación y fuerzas renovadas y un trabajo intenso para este encuentro.
Será el sábado 2 de marzo a las 21:30 horas.
Doble concierto que Adestono comparte con el grupo extremeño La Ira. Una velada notable de Rock and Roll
Calle Olvido nº 15
28026 Madrid.
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RauLuz, Vallecas. Madrid 2019
9 oct 2018
Montserrat Caballé y el reverso de la fuerza
Montserrat Caballé y Fredy Mercury en 1987.
Fallece Montserrat Caballé. Figura indiscutible del canto en el mundo.
Culpa absolutamente mía, hay una serie de figuras públicas de varios ámbitos sociales que me producen perturbaciones en el reverso de la fuerza...
... Todo esto se acrecienta desde que estamos sobreinformados con los medios audiovisuales y la llegada de Internet.
Sabemos demasiado sobre estas personas, lo interesante derivado de su actividad creativa en el caso de artistas y lo prescindible de lo que solo deben de ser sus vidas privadas.
En los tiempos de la ignorancia la comunicación se circunscribía a la prensa y a la radio básicamente, la televisión no se había instalado aún en todos los hogares. En el caso de mis padres jamás hubo televisión en la casa, si hubo prensa, revistas, cines, teatros, radio y libros muchos libros.
Recuerdo a mi madre leyendo el Hola, el Lecturas y el Semana en la peluquería comentando con otras señoras las noticias y lances de los famosos. El resto del día se vivía activamente sin más invasiones públicas.
Recuerdo a mi madre leyendo el Hola, el Lecturas y el Semana en la peluquería comentando con otras señoras las noticias y lances de los famosos. El resto del día se vivía activamente sin más invasiones públicas.
Fredy Mercury y Montserrat Caballé en 1988
Siempre que oí hablar a Montserrat Caballé me ha sucedido lo mismo, recuerdo que le decía a mi padre que su paralelo en dibujos animados sería Kha de El libro de la selva, versión Disney ¡Claro! Mi padre quería mi cabeza en bandeja de plata aunque no podía parar de reír. Mi madre me miraba con esa expresión que ponen nuestros mayores ante los vástagos que consideran perdidos para la vida sensata.
Ya en febrero de 2016 a propósito del 50 Aniversario de RNE2 publicamos en este espacio Lunar un comentario de esta efeméride y de paso recordamos como, hace ya unos cuantos años, mi padre casi quema la casa al olvidar sobre la cama un calentador eléctrico enchufado mientras escuchaba a Montserrat Caballé en una ópera retransmitida precisamente por RNE2 desde El Liceo de Barcelona. Fue mi madre quien salvó marido y casa.
Como ya dije para mis padres era una diosa. Va por vosotros.
RauLuz, Vallecas. Madrid 2018
26 sept 2018
Malasaña sigue sonando
Dirigido y coordinado por Suso Saíz se programa en el Cuartel del Conde Duque El sonido de Malasaña; conferencias y músicas que recuerdan uno de los muchos núcleos barriales de Madrid en los que se gestó y sigue gestándose creación musical.
Biznaga. Mediocridad y confort de su disco sentido del espectáculo. 2017
Al asequible precio de 8€, con carnet de biblioteca, nota del paro y mayores de 65 años, ó 12€ sentados, podemos asistir a una serie de conciertos que van desde la juventud de los componentes del grupo Biznaga a la veteranía de Demonios tus Ojos; los conciertos sorpresa del Capitán Corcobado, cuando el Mar ya no fue otra vez, reuniendo aquí a la banda Demonios original que protagoniza uno de los sonidos más inquietantes y ásperos de la creación sonora nacional, discretos en España, dioses en América del centro y del sur a día de hoy donde Javier Corcobado realiza sus giras a lleno absoluto en todos sus conciertos con mucho público en las calles sin acceso al teatro.
Demonios tus ojos. Esperando al último metro. Sala Ya'sta de Madrid 1989
Qué decir de la presencia de Josele Santiago y la charla concierto de Santiago Auserón... Sex Museum, Christina Rosenvinge, Ana Bejar formando pareja sonora con Javier Colis... Aún hay más.
Tienen don de elegir.
Josele Santiago. Ole papá. Gira Transilvania. Murcia 2017
Y para que nada falte las noticias del descontento de los trabajadores del Centro Cultural Conde Duque por la gestión de los nuevos gestores culturales, partidos con representación en el consistorio municipal, sindicatos y demás colectivos enfrentados.
El tonto Simón,
del DVD Canciones de Santiago Auserón con la Original Jazz Orquestra. 2008
RauLuz, Vallecas. Madrid 2018
14 sept 2018
Sonando Gaitas
Señoras, señores, niñas y niños... LLega el III Festival Magi Céltica. Muestra Celta Fantástica de Música y animación que no deben perderse. Los días 14, 15 y 16 de septiembre en el Recinto Multiusos de Avenida de Buenos Aires en Vallecas, a 100 metros escasos de la parada de Metro Avenida de Buenos Aires.
Eléctricas Irish Treble.
El viernes 14 de septiembre a las 22:00 horas
La Gran Judith Mateo.
El sábado 15 de septiembre a las 22:00 horas
Espectaculares Lume de Biqueira.
Cerrando el Festival el domingo 16 de septiembre
RauLuz, Vallecas. Madrid 2018
6 sept 2018
Sobre las versiones
En este espacio de paseo Lunar tenemos el privilegio de contar con Toni Pedrol articulista excepcional.
Toni, grande guitarrista del grupo musical La Teoría del Taburete que junto a Alba Domínguez y Pep Cachazo trabajan un blues con depurada estética de las músicas populares y académicas.
Como ya saben los que por aquí transitan Toni nos acompaña cuando quiere eligiendo temas de su libre elección. En esta ocasión nos trae un original y copias con ecos selenitas a una sección del programa que gustaba de este tipo de juegos sonoros deliciosos.
Les acompaña Toni Pedrol. Disfruten.
Toni, grande guitarrista del grupo musical La Teoría del Taburete que junto a Alba Domínguez y Pep Cachazo trabajan un blues con depurada estética de las músicas populares y académicas.
Como ya saben los que por aquí transitan Toni nos acompaña cuando quiere eligiendo temas de su libre elección. En esta ocasión nos trae un original y copias con ecos selenitas a una sección del programa que gustaba de este tipo de juegos sonoros deliciosos.
Les acompaña Toni Pedrol. Disfruten.
After the Gold Rush, Después de la fiebre del oro.
Tercer álbum de estudio del músico canadiense Neil Young.
Reprise Records agosto de 1970.
Dos frases. De las muchas que nos dijo en clase el maestro Zé Eduardo, dos de ellas han quedado subrayadas en mi cerebro prevaleciendo por encima de todas las demás. También nos hablaba de armonía, maneras de improvisar, escalas y demás rudimentos musicales que tenían que conformar en el futuro la argamasa de nuestra base como músicos. Pero aquellas dos sentencias que no contenían técnica ni truco alguno, significaban actitud y aun diría más, significaban una manera de entender la música. La primera decía algo así:
Probablemente ninguno de vosotros será Miles Davis, ni Tete Montoliu, ni Dizzy Gillespie; algunos espacios están reservados únicamente a los genios y en esta categoría caben muy pocos músicos, pero que no cunda el pánico, con trabajo, tenacidad e ilusión se puede llegar muy lejos; podréis llegar a ser realmente buenos si os lo proponeis.
Bien, aquello era digerible para mi, básicamente porque nunca quise ser un genio y por otro lado aquellos nombres me sonaban, pero no era realmente consciente de su inmensidad musical. La segunda frase venia inevitablemente asociada a la primera:
¿Que cómo se llega al dominio del instrumento? Copiando a los maestros, a los grandes genios; escuchándolos hasta la saciedad, imitando sus fraseos, su manera de acompañar, su concepto del ritmo y cuando tengamos sus lenguajes en la cabeza, aplicar la técnica musical que sólo se consigue con trabajo. Esto es una carrera de fondo.
Ahí ya se me complicaban las cosas. Me explicaré, cuando llegué a mis primeras clases de guitarra de jazz yo era un chavalín de la periferia de Barcelona que tocaba rumbas en la calle con los gitanos, pero sabía que había algo más, ese algo más hacía ya unos años que en mi fase autodidacta me había llevado a tocar de manera rupestre alguna canción de Barricada o Triana. Eso fue lo que le dije a mi primer profesor de guitarra acompañado de la coletilla: También estoy sacando alguna de Leño, haciéndome el chulo, pues para mi, Leño era material superior. Así que aquel hombre me respondió: Toma esto, escúchalo e intenta sacar algún solo. Era una cassette grabada del original donde rezaba escrito a bolígrafo: John Coltrane, Giant Steps. Llegué a casa y lo puse. Lo escuché. Entero. Aquello era como una excursión a Urano. No entendí nada de nada. Pero, ¿cómo diablos me iba a convertir en un buen músico escuchando aquello? El siguiente día de clase le dije al profesor la verdad. Estaba abatido. Imposible para mi. Él me respondió que aquel era justamente el efecto buscado. Podría lograrlo, pero tenia que organizarme conceptualmente y estudiar. Empezar desde el principio, informarme, comprender los pasos, subir uno a uno los escalones y así, sólo así podría llegar a la conclusión de que aquello no era una marcianada, entender que aquel hombre que soplaba su saxo como un ciclón en Giant Steps, era la evolución de un camino que no acaba nunca. Que Coltrane también escuchó a los maestros de su tiempo. Entonces me pasó un disco de BB King y me enseñó el blues de 12 compases y su escala pentatónica. Luego vinieron Duke Ellington, Louis Armstrong, los standards más sencillos y al cabo de los años entendí y valoré la genialidad de John Coltrane, Charles Mingus y Thelonius Monk.
Todo esto viene a cuento para dejar clara mi idea del músico como melómano y admirador de los maestros. No me da buena espina cuando escucho a alguien decir cosas como:
No, no escucho a nadie, no saco solos ni progresiones armónicas de nadie para no adquirir vicios...
Considero imprescindible hacer versiones, aunque sea en régimen interno, para uno mismo. Hacer tuya aquella pieza que tanto te gusta y desde el respeto al original tratar de aportarle tu granito de arena. A propósito de una conversación unos meses atrás con Luz Élez en la que le decía que estaba reescuchando viejos clásicos de los 60-70, me llegó la idea. Uno de aquellos discos que con la nueva escucha y el paso de los años me parece mejor de lo que me pareció en su día es After The Gold Rush de Neil Young. Allí estaba Southern Man, pieza claramente precursora de lo que sería el sonido de Neil Young & amp; Crazy Horse. Con un mensaje claramente antiracista denunciando las atrocidades del sur de EEUU nos dejaba esta versión, la original:
No, no escucho a nadie, no saco solos ni progresiones armónicas de nadie para no adquirir vicios...
Considero imprescindible hacer versiones, aunque sea en régimen interno, para uno mismo. Hacer tuya aquella pieza que tanto te gusta y desde el respeto al original tratar de aportarle tu granito de arena. A propósito de una conversación unos meses atrás con Luz Élez en la que le decía que estaba reescuchando viejos clásicos de los 60-70, me llegó la idea. Uno de aquellos discos que con la nueva escucha y el paso de los años me parece mejor de lo que me pareció en su día es After The Gold Rush de Neil Young. Allí estaba Southern Man, pieza claramente precursora de lo que sería el sonido de Neil Young & amp; Crazy Horse. Con un mensaje claramente antiracista denunciando las atrocidades del sur de EEUU nos dejaba esta versión, la original:
Merry Clayton, reputada vocalista de Nueva Orleans, participó en numerosas grabaciones como corista, entre ellas en el disco de debut de Neil Young en 1969 y bien conocida por su colaboración en la canción Gimme Shelter de los Stones. Clayton, hizo en su disco de título homónimo en 1971 esta versión irresistible; totalmente soul con un acompañamiento que sin perderle la cara al tema, sin apenas variaciones armónicas ni melódicas lo convierten en un registro funky con el bajo y la percusión dotando de músculo a la pieza. Los giros y la acentuación vocal de Merry resultan imprescindibles en el color que toma la versión. Muy buena.
Vamos con Rebecca Loebe. Esta joven cantante y compositora de EEUU se hizo popular al presentarse a uno de esos concursos tipo La Voz. Parece ser que goza de prestigio en los círculos de lo que se denomina Americana. En cualquier caso, su versión de Southern Man acompañada únicamente por el contrabajo de Andrew Pressman es una auténtica delicatessen de ambos intérpretes. La voz de Rebecca es cristal fino pero robusto. Por su parte, Pressman dibuja un bajo fibroso, con una línea melódica que contiene la armonía y pinceladas percutivas que asientan la métrica de la pieza. Deliciosa.
Siguiente. La verdad es que no soy muy fan, más bien nada, de la técnica del Loop Station, ya saben, un tipo solo se lo guisa y se lo come, ¿de qué manera? Pues usando el susodicho invento. Se trata de tocar e ir grabando capas una sobre otra; una especie de Photoshop musical. Pero la verdad es que hay gente que lo maneja con gracia. Es el caso de Paolo Serra, conocido como Powlean. Guitarrista y cantante nacido en Trieste, Italia, auténtico trotamundos que desde hace unos años cayó rendido a los encantos de la isla de Fuerteventura donde es más que conocido por su espectáculo One Man Show en el que interpreta grandes clásicos del rock americano. Trabaja marcando una base rítmica simple pero efectiva y usando técnicas percutivas sobre las cuerdas apagadas de la guitarra, luego bases armónicas que va cambiando en función de como avanza el tema, los solos están bien logrados, interpretados con gusto; su voz sin ser un prodigio transmite credibilidad en lo que hace. El experimento funciona. Atención al final donde solapa varias líneas de guitarra y finiquita el tema de un modo un tanto apresurado, pero sin perder el control. No sé como debe de ser un concierto entero de este hombre, pero este tema, personalmente me parece muy logrado.
Para terminar, volvemos con el maestro. Esta vez en acústico y 44 años más tarde. Poco se puede decir de Neil Young, auténtica leyenda viva del rock, que… de acuerdo, el crujir de esa vieja Gibson Les Paul con pastillas P90, es piedra angular del sonido del rock'n'roll, pero su faceta acústica que jamás ha abandonado desde el principio de su carrera es definitiva. Mi amigo Eduard Bosch, magnífico guitarrista, me dice que Neil Young no es un prodigio de la técnica, pero que para hacer sus temas en acústico como él quiere hacerlos, su manera de interpretar es sublime. Estoy de acuerdo.
Un tono más grave que la original de After The Gold Rush, con la voz envejecida, pero interpretada tanto a guitarra como a voz con la misma emotividad que cuando era un jovenzuelo de 25 años. Neil Young vuelve a tocarnos las fibras internas. Pa' siempre.
Cinco versiones de Southern Man. Tratadas con calidad y respeto. Existen muchísimas más, pero considero que estas cinco nos permiten degustar el tema desde diferentes puntos de vista. Lo cual enriquece musicalmente a sus intérpretes y empuja a la pieza a la carpeta de los clásicos. Porque como dice Tommy Emmanuel: Resulta imprescindible estudiar la técnica, pero no olvidéis el estudio de las canciones, porque al fin, éstas son las que nos enamoran.
Toni Pedrol, La Teoría del Taburete. Barcelona 2018
26 ago 2018
El Mimo me mima
En la actualidad seria muy extraño que no tuviéramos en casa algunas fotos incluso muchas, demasiadas; también unos minutos de vídeo... Pero del lejano año 1981 solo hay memoria.
Ahora, esta herramienta extraordinaria que es Internet nos ha permitido fijar esta memoria.
En el año 1980 a Lindsay Kemp la Diputación de Valencia le permitió una amplia programación en distintos centros de arte y teatros de la ciudad sobre la puesta en escena de El sueño de una noche de verano, aún antes de que visitara Madrid en 1981 y Barcelona en 1982 con esta obra.
LLega a Madrid entre los días 26 de mayo al 13 de junio de 1981 representándola en el teatro María Guerrero.
Las fichas del Inaem permiten acceder a los datos de los 13 espectáculos que de Lindsay Kemp hemos podido ver en España, donde llegó a vivir por largas temporadas que combinaba con Italia.
Temporada: 1981
El sueño de una noche de verano.
Autoría: William Shakespeare
Producción: Lindsay Kemp Company
Ficha artística: Ballet pantomima basado en la obra de William Shakespeare.
Versión: Lindsay Kemp y David Hauhgton.
Dirección: Lindsay Kemp.
Música: Carlos Miranda.
Escenografía y figurines: Lindsay Kemp.
Intérpretes: Lindsay Kemp, El increíble Orlando, Roberto Dimitrievich, Nell Caplan, Francois Testory, Annie Hueckle, Atilo López, Lola Peno y Christian Michaelsen.
Estreno en España: 26 de mayo de 1981 en el Teatro María Guerrero de Madrid.
Espectáculo de Lindsay Kemp.
Barcelona 1982
Música del espectáculo - Carlos Miranda
Obra de Maya Cusell
No recuerdo el día exacto en que asistí a la representación pero fue fascinante, la hipnótica y atractiva música incidental de Carlos Miranda. Los atuendos y complementos de los actores, la escenografía... Todo contribuía a sumergirse en el mundo mágico de los personajes y sus peripecias vitales y enredos amorosos.
Tuvimos la fortuna de estar junto a Lindsay Kemp en las ruedas de prensa. Era un ser magnético.
Flowers
Espectáculo de Lindsay Kemp.
Madrid 1986
Música del espectáculo
Montaje de sonido: Carlos Miranda
Obra de Maya Cusell
Ya conocen por lo demás sus otras anécdotas, como por ejemplo que Fue profesor de David Bowie y Kate Bush entre otros muchos.
Lindsay Kemp Company y david Bowie
1997
Carlos Miranda nos dejó el 20 de noviembre de 2016 desde su casa de El Valle en Granada.
Ahora Lindsay Kemp le sigue desde su casa de Livorno en Italia, el pasado 25 de agosto de 2018. Ambos aportaron una visión superrealista y onírica a las obras de teatro, danza y mimo imprescindibles. Tuvimos la suerte de ver un buen número de obras de Lindsay Kemp, eso que nos llevamos de bueno. No olvidamos que ya en enero de 1978 tuvimos la ocasión de ver Flowers en el Teatro Martín, después vendría Salomé y muchas más.
RauLuz, Vallecas. Madrid 2018
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